Es una figura fundamental para la vanguardia del siglo XX,Picasso y Matisse lo admiraron profundamente. Lleva una biografía monótona. Es autónomo y solitario. Él estuvo al margen de las exposiciones, realizó su labor de forma aislada. En su aislamiento concibe su pintura como investigación y búsqueda de la verdad. Él impuso una visión subjetiva.
Nace en 1839 en Aix-en-Provence en el seno de una familia de gran holgura económica. En 1859 su padre compra una mansión, era una gran finca, y aquí es donde Cézanne entra en contacto con la naturaleza. Su padre le proporcionó una formación humanística muy amplia. Cézanne tuvo como condiscípulo a E.Zola, que le abrió todo el campo de la literatura romántica y los planteamientos del Realismo y Naturalismo, luego su amistad quedó rota.
La primera formación fue en Aix-en-Provence siguiendo cursos de dibujo que tenían como punto de partida a David e Ingres. Sus primeras obras son las típicas copias. Su padre se empeñó en que estudiara derecho, con el apoyo materno consigue su traslado a París para empezar su carrera como pintor. Llega a París en 1861, allí es donde Zola le orienta. Comenzó a copiar en el Louvre, copia a Caravaggio, Rubens, el Greco, Zurbarán, Velázquez. También descubre la pintura del Romanticismo y del Realismo. Una referencia es Delacroix, en él encontró una pintura apasionada, vehemente, de contenido literario, muy importante para su primera etapa. Conoce la pintura de Courbet, Daumier y Millet que después le acercan a la realidad y le llevan a abandonar los contenidos literarios. No consiguió el ingreso en la Academia de Bellas Arte de París, este fue su primer fracaso. Así, cada vez se va aislando más por la incomprensión del entorno.
Etapa romántica (1861-1870).
En esta etapa se ve influenciado por los presupuestos por los presupuestos de Delacroix. Practica una pintura densa, empastada, abundante de materia.
Una Olympia moderna, 1873.
Etapa impresionista (1871-1878).
En 1874 participa en la primera exposición del grupo impresionista; presentó su Olimpia moderna y La casa del ahorcado. El rechazo hizo que no estuviera presente en la segunda exposición; pero lo volvió a intentar en la tercera de 1878, las críticas se repitieron y no se aceptó su estilo de pintura. Es por ello que abandona París y se traslada a Aix-en-Provence para pintar libremente. Pasó una temporada en L´Estaque, era un paisaje muy luminoso, suprime ocres y marrones para captar la luz potente del sur que contribuye a aclarar su paleta. Después se instala en Auvers-sur-Oise, Pissarro le condicionó, él le ayudó a aclarar su paleta y a interesarse por el bodegón y el paisaje. Pissarro le acerca con ojos nuevos a la Naturaleza. Gachet fue el primer coleccionista de Cézanne. Le adquirió obras cuando la tensión con el padre hizo que mermara su economía. La casa de Gachet le remitía a un paisaje de ambiente otoñal; de tintas más grises. Aparece en Cézanne un rasgo que se acentuará: la exaltación de los volúmenes. Cézanne evidencia un talento propio hacia el paisaje que lo diferencia de los demás impresionistas. Él practica una pincelada plana, yuxtapuesta, de orientación inclinada que revaloriza el plano pictórico y da entidad a los objetos representados. Hay una tendencia a remarcar los planos bordeando los volúmenes. Así la estructura de la forma no desaparece bajo la incidencia de luz-color.
En 1874 participa en la primera exposición del grupo impresionista; presentó su Olimpia moderna y La casa del ahorcado. El rechazo hizo que no estuviera presente en la segunda exposición; pero lo volvió a intentar en la tercera de 1878, las críticas se repitieron y no se aceptó su estilo de pintura. Es por ello que abandona París y se traslada a Aix-en-Provence para pintar libremente. Pasó una temporada en L´Estaque, era un paisaje muy luminoso, suprime ocres y marrones para captar la luz potente del sur que contribuye a aclarar su paleta. Después se instala en Auvers-sur-Oise, Pissarro le condicionó, él le ayudó a aclarar su paleta y a interesarse por el bodegón y el paisaje. Pissarro le acerca con ojos nuevos a la Naturaleza. Gachet fue el primer coleccionista de Cézanne. Le adquirió obras cuando la tensión con el padre hizo que mermara su economía. La casa de Gachet le remitía a un paisaje de ambiente otoñal; de tintas más grises. Aparece en Cézanne un rasgo que se acentuará: la exaltación de los volúmenes. Cézanne evidencia un talento propio hacia el paisaje que lo diferencia de los demás impresionistas. Él practica una pincelada plana, yuxtapuesta, de orientación inclinada que revaloriza el plano pictórico y da entidad a los objetos representados. Hay una tendencia a remarcar los planos bordeando los volúmenes. Así la estructura de la forma no desaparece bajo la incidencia de luz-color.
La casa del ahorcado en Auvers, 1872-1873.
Etapa constructiva, su método (1878-1887).
En esta etapa Cézanne abandona y supera los planteamientos del Impresionismo. Para Cézanne el Impresionismo se fundaba demasiado en la sensación y en la superficialidad. Maurice Denis, recogió estas palabras de Cézanne:"He querido hacer del Impresionismo algo que fuese sólido y durable como el arte de los museos". En esta etapa se instala en Aix-en-Provence y se aventura en una experiencia de amplios vuelos. Empieza a plantearse un modo de pintar que responda a la esencia de la realidad. Cada vez es más exigente con la esencia propia de los objetos. Se plantea una elaboración mental a partir de la sensación. La mente del creador da coherencia a las sensaciones. Lleva a cabo un análisis constructivo de los objetos. Intenta volver a descomponer el fundamento de la realidad pero a través de su propia experiencia. Su lema: "Hay que volver a ser clásico a través de la naturaleza, es decir, a través de la sensación"; el volver a ser clásico a partir de la experiencia personal. "Pintar al natural no supone copiar el objetivo, sino materializar las sensaciones propias".
Esta labor era muy complicada; porque la experiencia de la naturaleza no deviene en formas, sino que hay que buscar equivalencias a la sensación. Su modo de aprender es a partir de la experiencia visiva efímera y fugaz, y esto suponía un gran reto. Intentó eliminar de la pintura cualquier componente que no fuera visual. Su objetivo: prescindir de la emotividad y sentimiento para reflexionar sobre el lenguaje pictórico.
Hizo suyo un género que hasta entonces había estado desprestigiado; El bodegón, le obliga a grandes sesiones porque tiene la necesidad de aprender el objeto en su entidad. Observa que las frutas varían con el paso del tiempo, y también los pliegues de los manteles; por eso terminó enyesando los manteles y pintando frutas de cera. Cézanne es de afán meticuloso, se esfuerza por encontrar el color exacto; es consciente de que cuanto más ajustable sea el color, con más entidad aparecería la forma. Su retina cada vez es más hábil para percibir matices de color. No quiso aplicar el sistema de claroscuro tradicional, tampoco recurrir al modelado ni al dibujo. El color incorpora la luz y reconstruye la forma.
Cézanne elimina el espacio euclidiano, porque lo considera un convencionalismo. Al basarse en el color reivindica el componente bidimensional, de la pintura. La imagen se articula a través del plano coloreado. Así logra la autonomía del cuadro.
Cézanne siempre busca el ángulo más evidente del objeto, emsambla objetos desde posiciones diferentes y consigue con ello la arquitectura del cuadro. El espacio es convencional, fracturado y autónomo.
Etapa sintética (1888-1906).
En esta etapa Cézanne lleva a las últimas consecuencias el método puesto a punto en su etapa constructiva. Algunas de sus obras paradigmáticas:
La montaña Sainte-Victoire, vista desde Les Lauves, 1904-1906.
Naturaleza muerta con manzanas y melocotones.
Mardi Gras, 1888.
Postimpresionismo.
El término «Postimpresionismo» fue acuñado por el crítico británico Roger Fry. En 1910 organizó en Londres una exposición sobre pintura francesa de finales del s.XIX que tituló «Manet y los postimpresionistas». Los artistas que mejor representados estaban en dicha exposición fueron Cézanne, Gauguin y Van Gogh.
Fry reconocía que «Postimpresionismo» era un nombre bastante impreciso, ya que estos artistas sólo tenían en común una ambigua relación con el Impresionismo, del que parten para tratar de superarlo por diversos caminos.
Sin embargo, el término hizo fortuna, y su uso se ha extendido desde entonces para referise a artistas que, partiendo del Impresionismo, tratan de superar sus planteamientos expresivos, como Paul Cézanne, Paul Gauguin o Vincent Van Gogh.
Pero el Postimpresionismo es importante en la Historia del Arte porque, con sus innovadores propuestas abren el camino de la renovación pictórica que trajeron los movimientos artísticos de vanguardia. El Fauvismo, Cubismo o Expresionismo no se pueden entender sin la influencia de los Postimpresionistas.
Pero el Postimpresionismo es importante en la Historia del Arte porque, con sus innovadores propuestas abren el camino de la renovación pictórica que trajeron los movimientos artísticos de vanguardia. El Fauvismo, Cubismo o Expresionismo no se pueden entender sin la influencia de los Postimpresionistas.
Suele decirse que el Postimpresionismo no es propiamente un estilo artístico con unos rasgos técnicos más o menos definidos y fácilmente identificables. Se trata más bien de un término un tanto impreciso que sirve para designar a un grupo de artistas que lo único que comparten es una relación un tanto ambigua con el Impresionismo. Una relación ambigua porque:
- Por una parte, frecuentemente sus recursos técnicos son los heredados directamente del Impresionismo: pincelada suelta, mezcla óptica, contraste de complementarios, etc. Los temas de los postimpresionistas también eran similares a los característicos del Impresionismo.
- Por otra parte, la relación del Postimpresionismo con respecto a la realidad es diferente a la del Impresionismo, aunque en ocasiones pinten los mismos motivos. Los Postimpresionistas buscaban ampliar los horizontes expresivos de la pintura, sin resignarse a plasmar pasivamente lo observado en la realidad (en contraste con los impresionistas, que estaban interesados en captar efectos fugaces reflejándolos en el lienzo tal y como eran observados en la Naturaleza).
Vincent Van Gogh.
Nació en Groot-Zundert, Holanda, el 30 de marzo de 1853. Su padre fue un pastor protestante, Theodorus van Gogh, y su madre, Anne Cornelia, quienes tuvieros seis hijos, entre ellos Vincent.
Vincent Willem van Gogh realizó sus primeros estudios en su pueblo, y luego en el internado privado en Zevenbergen en 1864 y más adelante en Tilburg de 1866 a 1868, en que regresa a su tierra natal.
En 1969 fue a La Haya a trabajar en una galería de arte, y continúa sus trabajos en Bruselas. Más adelante viaja a realizar labores en Londres, donde se enamora de Ursula Loyer, pero es rechazado y se sume en tristeza, se vuelca a la religión y descuida su trabajo.
Continúa trabajando en París, pero es despedido en 1876 por abandonar sus responsabilidades laborales. Van Gogh tuvo una personalidad bohemia, apasionado y de mal carácter, reconocido por él mismo en cartas familiares.
Continúa trabajando en París, pero es despedido en 1876 por abandonar sus responsabilidades laborales. Van Gogh tuvo una personalidad bohemia, apasionado y de mal carácter, reconocido por él mismo en cartas familiares.
La pintura lo ayudó a sobrellevar su soledad, que lo atormenta durante su vida. Así buscó refugio en sus pinceles, el tabaco y el alcohol. No logró formar una familia. Se supone que se relacionó con prostitutas de burdeles. Fue internado por propio pedido, en el manicomio de Saint-Paúl-de-Mausole, después de haberse cortado la oreja izquierda. Sufría de epilepsia. Alrededor de 1885 comienza a manifestarse una psicosis, que va gradualmente en aumento.
Su vida es costeada por su hermano Théo, quien pagó sus deudas. El pintor, en vida no obtuvo dinero de sus obras, exceptuando 400 francos que se lograron con la venta de "La viña roja".
Más adelante estuvo atendido por un médico de Auvers, a quien retrató "El doctor Paúl Gachet", en 1890.
En ese mismo año, 1890, luego de terminar su obra "Cuervos sobre el trigal", se disparó un tiro el 27 de julio de 1890 y falleció dos días más tarde.Escribió más de 700 cartas a su hermano Théo, las que fueron publicadas en 1911, y completan su biografía y la nómina de su obra, cuantiosa, unos 750 cuadros y 1600 dibujos. En 1973 se inauguró en Amsterdam el Museo Vincent Van Gogh, en donde se pueden observar alrededor de un millar de pinturas, dibujos y cartas del artista.
Sus Obras.
Alameda en Otoño.
Cafe de Noche.
Dormitorio en Arles.
Iglesia en Auvers.
Los Girasoles.
Lirios.
Henri Van de Velde.
En teoría y práctica propagador de la estética funcional y de la forma "pura", tuvo, sobre todo en Alemania, entre 1900 y 1925, una influencia decisiva sobre el desarrollo de la arquitectura y de la artesanía. Van de Velde procedía de una familia burguesa flamenca. Antes de ocuparse de arquitectura se intereso principalmente por la música, la literatura y la pintura.
Empezó a estudiar pintura en 1881 en la Academie des Beaux Artículos de Amberes y continuo en 1884-1885 con Carolus Duran en Paris. Se relaciono con pintores impresionistas y poetas simbolistas, dejándose influir sobre todo por Seurat; el divisionismo de Seurat le parecía contener una noción del espacio que podría abrir nuevos caminos a la arquitectura.
En 1886, van de Velde participo en la fundación de la revista de un circulo de artistas Als ik Kan (Como pueda, divisa de Van Eyck), y en 1887 en la sociedad de jóvenes neoimpresionistas con el nombre de L´art Independant. Dos años mas tarde se unio al grupo vanguardista de Bruseles Les XX, inspirado, sobre todo, por la pintura sintética y la fluida escritura de Gaugin, el movimiento ingles Arts&Crafts y la obra de inspiracion social de William Morris. Por 1890 proyecto para la revista literaria Van Nu en Straks una nueva tipografía y ornamentos grabados en madera, desarrollados basándose en Gaugin. Con sus primeros muebles (1894) paso ya van de Velde a la tercera dimensión y en 1895 construyo para su joven familia (dos años después del Hotel Tassel por Victor Horta) la casa Bloemenwerf en uccle, cerca de Bruselas.
Esta obra representa una síntesis orgánica; su ajuar, desde los muebles y cortinas hasta la planta y la cristalería, es uniformemente de estilo inspirado por Inglaterra. La Casa Bloeemenwerf corresponde a las teorías expuestas por Van de Velde en sus publicaciones (Déblaiement d´Art, Bruselas; 1895, L´art futur, Bruselas; 1895, Aperçu en vue d´une Synthese d´Art, Bruselas; 1895). Rasgos característicos son; el retorno a una interpretación racional, que en todas partes deja ver "libre y orgullosamente" el procedimiento constructivo, una lógica sin compromiso en el empleo de los materiales y la renuncia a todo ornamento naturalista así como a los elementos de estilos pasados. La nueva noción de la función constructiva y el abandono de la tradición anquilosada y el facionalismo tienen, sin embargo, en Van de Velde, rasgos sentimentales; en esta época se sentía fuertemente atraído por el romanticismo alemán. Se tratara de obras de artistas alemanes, austriacos u holandeses, -escribió van de Velde mas tarde- todos nosotros estábamos unidos mas de lo que creíamos a una especie de romanticismo, que aun no nos permitía ver la forma sin ornamento.
La tensión y la inconsciente influencia del romanticismo nos llevaron a manosear nuestros esquemas constructivos y a presentarnos como ornamentos con la función de elementos constructivos o como construcciones basadas en el ritmo de un ornamento lineal. Este culto del ornamento lineal y de la línea ondulada fue reforzado todavía en van de Velde por su entusiasta adhesión a la teoría neorromántica de la endopatía, formulada en 1903 por Lipps. La originalidad de sus proyectos intereso pronto al historiógrafo de arte Julies Meier-Graefe y al comerciante de arte S. Bing, que le ayudaron a logar su éxito internacional. En 1896, Bing dio a van de velde el encargo de equipar cuatro aposentos en la casa que abrió en Paris con el nombre de L´Art Nouveau. Los muebles robustos y ventrudos de van de Velde llamaron mucho la atención en la exposición de artesanía de Dresde, de 1897. A partir de entonces Van de Velde hizo buena carrera en Alemania.
Antes de dejar Belgica en 1899, Meier-Graefe le encargo la decoración interior de la Maison Moderne, que habia fundado en Paris, y le introdujo en el grupo berlines Pan, donde van de Velde obtuvo enseguida numerosos encargos (Casa Hohenzollern de artesania, 1899); Salón de Peluquería Haby, 1901; tabiquería de la Compañía de la Habana, 1900; casa Esche en Chemnitz, 1902). En el invierno 1900-1901, emprendió por Alemania una gira de conferencias, en las cuales dio sus Prinzipielle Erklärungen, publicadas con el titulo, de Kunsteggewerbliche Laienpredigten, Leipzig; 1902.
Por mediación de K. E. Osthaus tomo van de Velde a su cargo la decoración interior del museo Folkwang de Hagen (1900-1902; salas de exposición, vitrinas, puertas, escaleras, barandillas, ventanas, muebles, etc...). La fuerte expresión plástica y los ornamentos curviformes son típicos del Modernismo y representan el punto culminante del primer periodo de Van de Velde, cerrado en 1906 con la sala de descanso de la exposición de artesanía de Dresde. Gracias a la protección del Gran Duque de Sajonia-Weimar, a cuya corte van de Velde pertenecía desde 1901 como consejero artístico para industria y artesanía, fue fundada y erigida en 1906 en Weimar la escuela de artesanía. En esta escuela, con la cual empieza el segundo periodo de actividad de Van de Velde (1906-1914), se le abrió un campo ideal para sus aficiones de pedagogo de arte. Empleo un nuevo sistema de enseñanza, basado en el estimulo de la fantasía creadora espontanea sin acudir a ejemplos del pasado. Con este método nacieron formas nuevas, que pronto fueron acogidas por la industria alemana.
Un día se tendrá que reconocer escribió mas tarde Van de Velde -que estos objetos de forma racional han abierto el camino a la arquitectura racional, ayudando mucho a su generalización. Los edificios de la escuela de artesanía de Weimar expresaban claramente el concepto de Van de Velde. Estando en construcción, debidos todavía a los medios constructivos clásicos, revelan simultáneamente el dominio seguro del espacio y del volumen. Vuelven a recoger la línea recta, purifican el ornamento y acentúan la expresión plástica, como resulta característico en el teatro del Werkbund con su pesado techo perfilado de modo tan original. Este teatro (destruido) fue construido en 1914 para la exposición del Werkbund en Colonia. Van de Velde introdujo muchas novedades; sala en forma de anfiteatro, proscenio independiente, horizonte completo y sobre todo escenario tripartito.
Ya en 1911 habia preparado Van de Velde, que era amigo de Gordon Craig y de Max Reinhardt, los proyectos para el Theatre des Champs-Elysees de Paris. La I Guerra Mundial motiva un nuevo cambio de orientacion en la actividad de Van de Velde. En 1917 fue a Suiza y cuatro años mas tarde se estableció en Holanda. La familia Kröller-Muller le encargo el proyecto de un museo, que construyo en 1937-1954, con planos modificados, en Otterlo. Este edificio es una obra completamente clara, sencilla, articulada armonicamente, sin retorica poetica, adecuada completamente a su situacion y a sus funciones. (Nivel unico, vias de trafico diferenciadas, luz cenital, etc...). En 1925, van de Velde volvio a Belgica. Gracias al apoyo del ministro C. Huysmans, tuvo la ocasion de hacer uso de sus experiencias de Weimar; en 1926 fundo en Bruselas el Instituto de Artes Decorativas de la Cambre hoy Ecole Nationale Superieure d´Architecture et des Arts Decoratifs, cuya direccion conservo hasta 1935. De 1926 a 1936 fue ademas profesor de arquitectura en la Universidad de Gante. En 1947 se establecio en Ober-Aegeri, en Suiza, donde empezo a escribir sus memorias.
La obra de Van de Velde aparece dominada por sus escritos llenos de temperamento, frecuentemente combativos. Lo que para la pintura del comienzo del siglo XX representan las Theories (1890) de Maurice Denis, son para la arquitectura del mismo tiempo las formules de la Beaute architectonique moderne de Van de Velde (1917). Entre sus mas importantes colabores y alumnos figuran Victor Bourgeois, J. J. Eggereixc, R. Werwilghen, L. Stynen.
Henri Matisse.
Pintor francés, nacido en Le Cateau (Nord) y fallecido en Niza, a quien cabe, como figura central de los fauves, la gloria principal de haber inaugurado el arte moderno del siglo XX. Obedeciendo los deseos de su padre, empezó a estudiar leyes. Pero era más fuerte en él su vocación artística, que despertó impetuosa cuando, para entretener una larga enfermedad en casa de su padre, recibió un juego de lápices de dibujo y pinturas. Así abandonó la carrera de derecho para entrar en la École des Beaux-Arts de París.
Aunque parezca extraño, su ídolo era Bouguereau, pintor de suaves desnudos que animaban la exposición anual del Salón de París, a quien ya despreciaban los impresionistas y de quien abominaron después los modernos acaudillados por el mismo Matisse. Falto de dinero, se costeó sus estudios y primeros años de vida en París copiando antiguos maestros en el Louvre por encargo del gobierno francés, copias que éste vendía a los museos menores de todo el mundo. Tan superior era su talento natural y tan acabada su educación académica que conservó este empleo durante diez años.
En 1897 conoció al veterano Pissarro, quien, con Monet, había creado el impresionismo, ya en franca guerra con el Salón de Bouguereau. Pissarro y los jóvenes impresionistas Bonnard y Vuillard le animaron a que probara la pintura impresionista en las horas que le dejaban libre sus trabajos en el Louvre, donde copiaba a Velázquez, Ruysdael y Chardin.
Con este impulso diose a estudiar al inglés Turner, cuyos deslumbrantes paisajes de nieve, concebidos según una nueva técnica, habían influido en Pissarro y Monet hasta el punto de señalarles el camino que luego seguiría el impresionismo francés, y a Whistler, cuyo uso de los dibujos japoneses le fascinaba.
Con este impulso diose a estudiar al inglés Turner, cuyos deslumbrantes paisajes de nieve, concebidos según una nueva técnica, habían influido en Pissarro y Monet hasta el punto de señalarles el camino que luego seguiría el impresionismo francés, y a Whistler, cuyo uso de los dibujos japoneses le fascinaba.
En este tiempo conoció también a un enérgico y joven pintor, André Derain. Ambos descubrieron a Cézanne, al que Pissarro y Manet declararon una guerra fría, aunque era su compañero de impresionismo. Las «feas» pinturas de Cézanne no agradaban a los impresionistas, que veían en él un obstáculo para la aceptación total de su movimiento artístico. Matisse compró un Bañistas de Cézanne y lo colgó en su propio estudio. Esta influencia le hizo en parte perder su trabajo en el Louvre, tanto más cuanto que a veces la imaginación le jugaba malas pasadas y sus manos expertas trataban de «mejorar», aunque ligeramente, las obras de los antiguos maestros.
Vollard, traficante en cuadros y futuro biógrafo de Cézanne, empezó a observar el trabajo del joven Matisse que comprara los Bañistas y sintió cierta curiosidad por ver qué había en este artista al que tanto gustaba Cézanne. En 1904 Vollard ofreció una exposición de los cuadros distorsionados, asombrosamente nuevos, en que Matisse trabajaba a la sazón y, al año siguiente, los llevó al Salón de Otoño, en el que Matisse y otros jóvenes experimentadores, especialmente Derain, Marquet, Vlaminck y Rouault, se ganaron el sambenito de fauves (bestias salvajes).
De este movimiento había de nacer tres años más tarde el cubismo de Picasso y Braque, aunque Matisse no quiso saber nada de este estilo. Fue él quien bautizó a la nueva herejía al tildar de «cubista» a uno de los cuadros que Braque expuso en el Salón de Otoño de 1908.
Vollard, traficante en cuadros y futuro biógrafo de Cézanne, empezó a observar el trabajo del joven Matisse que comprara los Bañistas y sintió cierta curiosidad por ver qué había en este artista al que tanto gustaba Cézanne. En 1904 Vollard ofreció una exposición de los cuadros distorsionados, asombrosamente nuevos, en que Matisse trabajaba a la sazón y, al año siguiente, los llevó al Salón de Otoño, en el que Matisse y otros jóvenes experimentadores, especialmente Derain, Marquet, Vlaminck y Rouault, se ganaron el sambenito de fauves (bestias salvajes).
De este movimiento había de nacer tres años más tarde el cubismo de Picasso y Braque, aunque Matisse no quiso saber nada de este estilo. Fue él quien bautizó a la nueva herejía al tildar de «cubista» a uno de los cuadros que Braque expuso en el Salón de Otoño de 1908.
Matisse, al contrario que Picasso, un genio más inquieto, no quiso inventar y desarrollar nuevos «ismos». Contaba once años más que su rival español en la jefatura del arte moderno y su desarrollo del fauvismo fue una empresa de madurez relativa. Aunque no dejó de trabajar, siguió pintando según el estilo que ya definiera en 1905 y que todavía sigue originando discusiones. Enriqueció su arte con viajes alrededor del mundo, amén de largas visitas al norte de África, donde Delacroix halló cálidos temas para sus cuadros de harén, y Tahití, inmortalizada por Gauguin.
En 1917, acompañado de su esposa, abandonó el torbellino artístico de París por la tranquilidad de Niza, donde vivió durante el período de ocupación alemana. A los 80 años aún trabajaba activamente y en 1950 ganó el primer premio de pintura en la Exposición de Arte de la Bienal de Venecia.
En 1917, acompañado de su esposa, abandonó el torbellino artístico de París por la tranquilidad de Niza, donde vivió durante el período de ocupación alemana. A los 80 años aún trabajaba activamente y en 1950 ganó el primer premio de pintura en la Exposición de Arte de la Bienal de Venecia.
Sus obras.
Conversación bajo los olivos.
Bata Púrpura y Anémonas, 1937.
Danza I.
Desnudo Rosa.
Eduard Munch.
Autor noruego nacido en 1863 y fallecido en 1944.Es el más conocido representante del expresionismo, movimiento artístico de la primera mitad del XX caracterizado por los colores vivos y chirriantes, las líneas curvas y helicoidales y escenas de gran contenido emocional, generalmente pesimista, donde la persona muestra sus preocupaciones y temores.
El expresionismo, cuyas raíces arrancan con el genial Goya, tuvo mucho éxito en los países nórdicos y en Alemania; sin embargo en el ámbito mediterráneo, más optimista y vital, los cuadros expresionistas nos resultan demasiado sombríos e inquietantes. No se trata de reflejar la realidad, sino de distorsionarla para que el espectador extraiga una visión extraña de la misma, podemos identificar lo que aparece en los cuadros de Munch pero enseguida nos damos cuenta de las modificaciones subjetivas introducidas por el pintor para alterar la realidad de tal modo, que nos produce un cierto desasosiego su contemplación.
Obras
La tormenta.
En el puente.
El grito.
Este famosísimo cuadro es lo más expresivo de toda la pintura contemporánea. Refleja el temor ante el cambio de siglo y la tensa situación internacional que vivía Europa por aquellos tiempos. También refleja los temores y angustias existenciales del propio Munich tales como su relación amor-odio con las mujeres, la reciente muerte de su madre y sus tendencias sicológicas depresivas.
En el fiordo de Oslo, al borde del agua, una mujer cuyo rostro semeja una calavera se aprieta las manos contra la cara como signo de angustia y desesperación. Los colores chillones y las distorsiones de las líneas crean una atmósfera agobiante y opresiva, una muestra de la soledad del ser humano y su pesimismo frente a las adversidades. En un segundo plano aparecen otras dos personas frías y distantes como queriendo significar que el prójimo no nos ayuda en los momentos de desesperación.
El castillo de Akersus y los barquitos completan la inquietante composición mientras el color rojo predominante aporta una dosis extra de angustia y peligro que acentúa el tono sombrío del cuadro. Ese cielo encendido y esos torbellinos parecen envolver amenazadoramente a la persona que grita ya que se siente amenazada y oprimida. Toda la escena parece sacada de una pesadilla delirante de la que cualquiera desearía despertar cuanto antes.
Amadeo Modiglian, pintor italiano.
En 1898 empezó su formación artística con Giovanni Fattori, líder del "manchismo"; luego estudió en Florencia y en Venecia, donde toma contacto con las que serían importantes figuras del futurismo, y comienza también su famosa adicción a las drogas y el alcohol.
Vivió en París, pero se mantuvo al margen de la vanguardia que se encontraba bajo el alero de Apollinaire, aunque si vivió en Montmartre, el barrio epicentro de las nuevas tendencias y perteneció, por tanto, a la Escuela de París.
La obra de Modigliani se reconoce principalmente por sus figuras humanas, audaces, estilizadas y de líneas puras, que retrató innumerables veces; también trabajó con la escultura, donde cultivó el mismo particular estilo.
La escultura era hecha con piedras que robaba de las construcciones; cuando acaeció la I Guerra, se paralizó la construcción en París, y con ello, el trabajo de Modigliani en ese ámbito.
Tuvo varias amantes, pero con la que protagonizó los mayores escándalos en la vía pública fue con Jeanne Hébuterne, una chica de 19 años que conoció en 1917. Tuvieron dos hijos,
vivieron luego en un departamento de Grande Chaumière, en el que Modigliani celebró la entrada a 1920 a lo grande; dos semanas después, tuvo que guardar cama por problemas al riñón.
En el piso de arriba vivía el pintor chileno Ortiz de Zárate, quién lo encontró un día con fuertes dolores de cabeza, y a su mujer embarazada de nueve meses, a quién no se le había ocurrido llamar al médico. Ortiz de Zárate trajó a uno, que descubrió que Modigliani tenía meningitis tuberculosa y estaba desahuciado. El pintor murió un 24 de enero, y a su funeral fue toda la vanguardia de Montmartre. Su mujer se suicidó dos días después, arrojándose por una ventana, lo que mató también a su hijo nonato.
Sus obras.
Cabeza de Niña.
